Inilah 10 Lukisan Paling Dicintai oleh Vincent van Gogh

Inilah 10 Lukisan Paling Dicintai oleh Vincent van Gogh

Dia mulai melukis bisa dikatakan terlambat dan ia juga mati muda. Namun, selama rentang 10 tahun, Vincent van Gogh (1853–1890) menyelesaikan hampir 900 lukisan dan 1.100 sketsa, litograf, dan karya-karya lainnya. Seniman Belanda yang bermasalah menjadi terobsesi dengan rakyatnya dan kembali ke mereka lagi dan lagi, melukis di dekat duplikat bunga matahari atau pohon cemara. Dengan sapuan kuas manik dan hiasan dramatis dari pisau paletnya, van Gogh membawa Post-Impresionisme ke alam baru. Dia menerima sedikit pengakuan selama hidupnya, tetapi sekarang karyanya dijual seharga jutaan dan direproduksi di poster, t-shirt, dan cangkir kopi. Bahkan film animasi panjang fitur merayakan gambar van Gogh yang meyakinkan.

Lukisan van Gogh manakah yang paling populer? Di bawah ini adalah lukisan-lukisannya yang paling terkenal.

“Pemakan Kentang,” April 1885

Karya awalnya adalah The Potato Eaters. Seniman yang kebanyakan belajar sendiri mungkin meniru Rembrandt ketika ia memilih skema warna monoton yang gelap. Namun, perawatan van Gogh tentang cahaya dan bayangan meramalkan lukisannya yang terkenal, “The Night Café,” dilakukan tiga tahun kemudian.

Van Gogh menghabiskan beberapa tahun melakukan sketsa awal, studi potret, dan litograf sebelum dia menyelesaikan versi “The Potato Eaters” yang ditampilkan di sini. Pokok bahasannya menggambarkan kasih sayang van Gogh terhadap kehidupan sederhana orang-orang biasa. Dia menggambarkan para petani dengan tangan berbonggol-bonggol dan wajah-wajah jelek kartun yang diterangi oleh cahaya redup dari lentera yang menggantung.

Dalam sepucuk surat kepada saudaranya Theo, van Gogh menjelaskan, “Saya benar-benar ingin membuatnya agar orang-orang mendapatkan gagasan bahwa orang-orang ini, yang memakan kentang mereka dengan cahaya lampu kecil mereka, telah menggiling bumi sendiri dengan ini tangan mereka taruh di piring, dan itu berbicara tentang kerja kasar dan – bahwa mereka telah dengan jujur ​​mendapatkan makanan mereka. “
Van Gogh senang dengan prestasinya. Menulis kepada saudara perempuannya, dia berkata “The Potato Eaters” adalah lukisan terbaiknya dari waktu di Nuenen.

“Vas Dengan Lima Belas Bunga Matahari,” Agustus 1888

Van Gogh melepaskan diri dari palet gelap seni yang diilhami oleh master Belanda ketika ia melukis lukisan bunga matahari yang terang benderang. Seri pertama, selesai pada 1887 ketika ia tinggal di Paris, menunjukkan kliping bunga matahari tergeletak di tanah.

Pada tahun 1888, van Gogh pindah ke sebuah rumah kuning di Arles di Perancis selatan dan memulai tujuh kehidupan dengan bunga matahari yang cerah dalam vas. Dia mengoleskan cat pada lapisan tebal dan sapuan lebar. Tiga lukisan, termasuk yang diperlihatkan di sini, dikerjakan secara eksklusif dengan warna kuning. Inovasi abad kesembilan belas dalam kimia cat memperluas palet warna van Gogh untuk memasukkan warna kuning baru yang dikenal sebagai krom.

Van Gogh berharap untuk membangun judi slot online kooperatif di rumah kuning. Dia melukis seri bunga matahari Arles untuk mempersiapkan ruang bagi kedatangan pelukis Paul Gauguin. Gauguin menyebut lukisan itu “contoh sempurna dari gaya yang benar-benar Vincent.”

“Saya merasakan keinginan untuk memperbarui diri,” tulis van Gogh pada tahun 1890, “dan mencoba meminta maaf atas kenyataan bahwa foto-foto saya pada akhirnya hampir merupakan seruan kesedihan, meskipun dalam bunga matahari pedesaan mereka dapat melambangkan rasa terima kasih.”

“The Night Cafe,” September 1888

Pada awal September 1888, van Gogh melukis adegan yang disebutnya “salah satu gambar paling jelek yang pernah saya lakukan.” Merah dan hijau kekerasan menangkap interior suram dari sebuah kafe semalaman di Place Lamartine di Arles, Prancis.

Tidur di siang hari, van Gogh menghabiskan tiga malam di kafe mengerjakan lukisan itu. Dia memilih efek kontras kontras secara bersamaan untuk mengekspresikan “nafsu kemanusiaan yang mengerikan.”

Perspektif aneh miring mengarahkan pengunjung ke kanvas menuju meja biliar yang ditinggalkan. Kursi-kursi yang berserakan dan figur-figur yang merosot menunjukkan kesedihan total. Efek pencahayaan haloed mengingatkan kita pada “The Potato Eaters” karya van Gogh. Kedua lukisan itu mengekspresikan pandangan suram tentang dunia, dan sang seniman menggambarkannya sebagai padanan.

“Cafe Terrace at Night,” September 1888

“Saya sering berpikir bahwa malam itu lebih hidup dan lebih kaya warna daripada hari itu,” tulis van Gogh kepada saudaranya, Theo. Perselingkuhan cinta sang seniman dengan malam itu sebagian bersifat filosofis dan sebagian lagi terinspirasi oleh tantangan teknis menciptakan cahaya dari kegelapan. Lanskap malamnya mengungkapkan mistisisme dan rasa tak terbatas.

Pada pertengahan September 1888, van Gogh mendirikan kuda-kuda di luar kafe di Place du Forum di Arles dan melukis adegan “malam berbintang” pertamanya. Dibuat tanpa warna hitam, “Café Terrace at Night” kontras dengan tenda kuning cemerlang melawan langit biru Persia. Trotoar berbatu menunjukkan warna bercahaya jendela kaca patri.

Tidak ada keraguan bahwa artis menemukan hiburan spiritual di pemandangan malam. Beberapa kritik mengambil ide lebih lanjut, mengklaim bahwa van Gogh memasukkan salib dan simbol Kristen lainnya. Menurut peneliti Jared Baxter, 12 angka di teras kafe menggemakan “The Last Supper” karya Leonardo da Vinci (1495-98).

“Kamar Tidur,” Oktober 1888

Selama tinggal di Arles, van Gogh menulis secara rinci tentang warna-warna yang ia temukan di kamarnya di Place Lamartine (“rumah kuning”). Pada Oktober 1888, ia memulai serangkaian sketsa dan tiga lukisan minyak yang menunjukkan pemandangan ruangan yang hampir sama.

Lukisan pertama (diperlihatkan di sini) adalah satu-satunya lukisan yang ia selesaikan saat masih di Arles. Pada bulan September 1889, van Gogh melukis versi kedua dari ingatan sambil memulihkan diri di rumah sakit jiwa Saint-Paul-de-Mausole dekat Saint-Rémy-de-Provence, Prancis. Beberapa minggu kemudian, ia melukis versi ketiga yang lebih kecil sebagai hadiah untuk ibu dan saudara perempuannya. Dalam setiap versi, warnanya menjadi sedikit redup dan gambar-gambar di dinding di atas tempat tidur diubah.

Secara kolektif, lukisan kamar tidur van Gogh berada di antara karya-karyanya yang paling dikenal dan paling dicintai. Pada tahun 2016, Institut Seni Chicago membangun sebuah replika di dalam sebuah apartemen di lingkungan River North City. Pemesanan berdatangan ketika Airbnb menawarkan kamar Chicago seharga $ 10 per malam.

“Kebun Anggur Merah di Arles,” November 1888

Kurang dari dua bulan sebelum memotong cuping telinganya selama istirahat psikotik utama, van Gogh melukis satu-satunya karya yang secara resmi dijual selama masa hidupnya.

“The Red Vineyards at Arles” menangkap warna cerah dan cahaya berkilauan yang membasahi Prancis selatan pada awal November. Rekan seniman Gauguin mungkin telah mengilhami warna-warna cerah. Namun, lapisan cat yang tebal dan sapuan kuas yang enerjik merupakan ciri khas van Gogh.

“The Starry Night,” Juni 1889

Beberapa lukisan van Gogh yang paling dicintai diselesaikan selama masa pemulihan di rumah sakit jiwa di Saint-Rémy, Prancis. Menatap melalui jendela berjeruji, dia melihat pedesaan sebelum fajar diterangi oleh bintang-bintang besar. Adegan itu, katanya kepada saudaranya, menginspirasi “The Starry Night.”

Van Gogh lebih suka melukis di udara, tetapi “The Starry Night” berasal dari ingatan dan imajinasi. Van Gogh menghilangkan bilah-bilah jendela. Dia menambahkan pohon cemara yang berputar dan gereja yang terjal. Meskipun van Gogh melukis banyak adegan malam selama masa hidupnya, “The Starry Night” menjadi yang paling terkenal.

Beberapa ahli matematika mengatakan bahwa sapuan kuas yang berputar-putar menggambarkan aliran turbulen, sebuah teori kompleks tentang gerak fluida. Detektif medis berspekulasi bahwa kuning jenuh menunjukkan Van Gogh menderita xanthopsia, distorsi visual yang dibawa oleh digitalis obat. Pecinta seni sering mengatakan bahwa pusaran cahaya dan warna mencerminkan pikiran seniman yang tersiksa.

Hari ini, “The Starry Night” dianggap sebagai mahakarya, tetapi artis tidak senang dengan karyanya. Dalam sebuah surat kepada Émile Bernard, van Gogh menulis, “sekali lagi saya membiarkan diri saya meraih bintang-bintang yang terlalu besar kegagalan baru dan saya sudah cukup banyak.”

“Ladang Gandum dengan Cypresses di Haute Galline Near Eygalieres,” Juli 1889

Dengan karakteristik berani impasto, seniman membuat pohon-pohon dan lanskap sekitarnya dengan pusaran warna yang dinamis. Lapisan cat yang tebal mengambil tekstur tambahan dari tenunan asimetris dari kanvas ordinaire toile yang dipesan van Gogh dari Paris dan digunakan untuk sebagian besar karya selanjutnya. Van Gogh percaya bahwa “Ladang Gandum dengan Cypresses” adalah salah satu pemandangan musim panas terbaiknya. Setelah melukis adegan itu di udara, ia melukis dua versi yang sedikit lebih halus di studionya di suaka.

“Dr. Gachet,” Juni 1890

Setelah meninggalkan rumah http://199.188.201.86/, van Gogh menerima perawatan homeopati dan psikiatris dari Dr. Gachet, yang merupakan seniman yang bercita-cita tinggi dan yang tampaknya menderita dari roh-roh jahatnya sendiri. Van Gogh melukis dua potret serupa dari dokternya. Dalam keduanya, Dr. Gachet yang kesal duduk dengan tangan kirinya di setangkai foxglove, tanaman yang digunakan dalam pengobatan jantung dan psikiatris, digitalis. Satu abad setelah selesai, versi potret ini dijual kepada seorang kolektor pribadi dengan harga $ 82,5 juta (termasuk biaya lelang 10%).

Kritik dan cendekiawan telah meneliti baik potret dan mempertanyakan keaslian mereka. Namun, pemindaian inframerah dan analisis kimia menunjukkan bahwa kedua lukisan itu adalah karya van Gogh. Kemungkinan dia melukis versi kedua sebagai hadiah kepada dokternya. Sementara sang seniman sering memuji Dr. Gachet, beberapa sejarawan menyalahkan dokter atas kematian van Gogh pada Juli 1890.

“Wheatfield With Crows,” Juli 1890

Van Gogh menyelesaikan sekitar 80 karya selama dua bulan terakhir dari hidupnya. Tidak ada yang tahu pasti lukisan mana yang terakhir. Namun, “Wheatfield with Crows,” dilukis pada sekitar 10 Juli 1890, adalah di antara yang terbaru dan kadang-kadang digambarkan sebagai catatan bunuh diri.

“Aku berusaha mengungkapkan kesedihan, kesepian yang ekstrem,” katanya kepada saudaranya. Van Gogh mungkin telah mereferensikan beberapa lukisan yang sangat mirip diselesaikan di Auvers, Prancis, selama waktu ini. “Wheatfield with Crows” sangat mengancam. Warna dan gambar menunjukkan simbol yang kuat.

Beberapa sarjana menyebut gagak yang melarikan diri itu pertanda kematian. Tapi, apakah burung-burung itu terbang menuju pelukis (menyarankan ajal) atau pergi (menyarankan keselamatan)?

Van Gogh ditembak pada 27 Juli 1890 dan dia meninggal karena komplikasi dari luka dua hari kemudian. Para sejarawan berdebat apakah sang artis bermaksud bunuh diri. Seperti “Wheatfield with Crows,” kematian misterius van Gogh terbuka untuk banyak interpretasi. Lukisan itu sering digambarkan sebagai salah satu karya van Gogh terhebat.

Kehidupan dan Pekerjaan Van Gogh

Lukisan-lukisan mengesankan yang ditampilkan di sini hanyalah beberapa dari karya agung yang tak terhitung jumlahnya oleh van Gogh. Penggemar Van Gogh mungkin juga ingin menyelami surat-surat sang seniman, yang menceritakan kehidupan dan proses kreatifnya. Lebih dari 900 korespondensi sebagian besar ditulis oleh van Gogh dan sebagian diterjemahkan ke dalam bahasa Inggris dan dapat dibaca secara online di The Letters of Vincent Van Gogh atau dalam edisi cetak koleksi.

Biografi Marsden Hartley, Modernis American Pelukis dan Penulis

Biografi Marsden Hartley, Modernis American Pelukis dan Penulis

Marsden Hartley (1877-1943) adalah seorang pelukis modernis Amerika. Pelukannya terhadap Jerman selama Perang Dunia I dan subjek regionalis tentang pekerjaannya yang terlambat berkarir menyebabkan kritik kontemporer mengabaikan nilai dari sebagian besar lukisannya. Hari ini, pentingnya Hartley dalam pengembangan modernisme dan ekspresionisme dalam seni Amerika diakui.

Fakta Menarik: Marsden Hartley

  • Dikenal Untuk: Pelukis
  • Gaya: Modernisme, Ekspresionisme, Regionalisme
  • Lahir: 4 Januari 1877 di Lewiston, Maine
  • Mati: 2 September 1943 di Ellsworth, Maine
  • Pendidikan: Institut Seni Cleveland
  • Karya Pilihan: “Potret Perwira Jerman” (1914), “Minuman Tampan” (1916), “Nelayan Lobster” (1941)
  • Kutipan terkenal: “Reaksi, agar menyenangkan, harus sederhana.”

Awal kehidupan dan karir

Anak bungsu dari sembilan bersaudara, Edmund Hartley menghabiskan tahun-tahun pertamanya di Lewiston, Maine, dan kehilangan ibunya pada usia 8 tahun. Itu adalah peristiwa mendalam dalam hidupnya, dan dia kemudian berkata, “Saya harus mengetahui isolasi sepenuhnya sejak saat itu dan seterusnya . ” Seorang anak imigran Inggris, ia memandang ke alam dan penulisan transendentalis Ralph Waldo Emerson dan Henry David Thoreau untuk kenyamanan.

Keluarga Hartley berpisah setelah kematian ibu mereka. Edmund, yang kemudian mengadopsi Marsden, nama keluarga ibu tirinya, sebagai nama pertamanya, dikirim untuk tinggal bersama kakak perempuannya di Auburn, Maine. Setelah sebagian besar keluarganya pindah ke Ohio, Hartley tetap tinggal untuk bekerja di pabrik sepatu pada usia 15.

Setahun kemudian, Hartley bergabung kembali dengan keluarganya dan mulai belajar di Sekolah Seni Cleveland. Salah satu wali dari lembaga tersebut mengenali bakat pada siswa muda dan memberi Marsden tunjangan lima tahun untuk belajar dengan seniman William Merritt Chase di New York di National Academy of Design.

Persahabatan dekat dengan pelukis pemandangan laut Albert Pinkham Ryder memengaruhi arah seni Hartley. Ia menganut penciptaan lukisan sebagai pengalaman spiritual. Setelah bertemu Ryder, Hartley menciptakan beberapa karya karirnya yang paling suram dan dramatis. Seri “Gunung Gelap” menunjukkan alam sebagai kekuatan yang kuat dan merenung.

Setelah menghabiskan tiga tahun di judi bola, Maine, mengajar melukis dan membenamkan dirinya di alam, Hartley kembali ke New York City pada tahun 1909. Di sana, ia bertemu dengan fotografer Alfred Stieglitz, dan mereka dengan cepat menjadi teman. Hartley menjadi bagian dari lingkaran yang mencakup pelukis Charles Demuth dan fotografer Paul Strand. Stieglitz juga mendorong Hartley untuk mempelajari karya modernis Eropa Paul Cezanne, Pablo Picasso, dan Henri Matisse.

Karir di Jerman

Setelah Stieglitz mengatur pameran yang sukses untuk Hartley di New York pada tahun 1912, pelukis muda itu melakukan perjalanan ke Eropa untuk pertama kalinya. Di sana, ia bertemu Gertrude Stein dan jaringan seniman dan penulis avant-garde. Stein membeli empat lukisannya, dan Hartley segera bertemu dengan pelukis ekspresionis Wassily Kandinsky dan anggota kelompok lukisan ekspresionis Jerman Der Blaue Reiter, termasuk Franz Marc.

Seniman Jerman, khususnya, memiliki dampak mendalam pada Marsden Hartley. Dia segera memeluk gaya ekspresionis. Dia pindah ke Berlin pada tahun 1913. Banyak peneliti percaya bahwa Hartley segera mengembangkan hubungan romantis dengan letnan tentara Prusia Karl von Freyburg, sepupu pematung Jerman Arnold Ronnebeck.

Seragam dan parade militer Jerman membuat Hartley terpesona dan masuk ke dalam lukisannya. Dia menulis kepada Stieglitz, “Saya telah hidup agak gay dengan gaya Berlin, dengan semua yang tersirat.” Von Freyburg meninggal dalam pertempuran pada tahun 1914, dan Hartley melukis “Portrait of a German Officer” untuk menghormatinya. Karena perlindungan intens seniman dari kehidupan pribadinya, beberapa detail diketahui tentang hubungannya dengan von Freyburg.

Pengaruh gaya poster berani dari Charles Demuth terlihat jelas. Kata “Himmel” berarti “surga” dalam bahasa Jerman. Lukisan itu termasuk dunia tegak dan kemudian “Holle” terbalik untuk “neraka.” Patung di kanan bawah adalah Anthony Gunther, Pangeran Oldenburg.

Marsden Hartley kembali ke Amerika Serikat pada tahun 1915 selama Perang Dunia I. Pelanggan seni menolak sebagian besar karyanya karena sentimen anti-Jerman di negara itu selama perang. Mereka menafsirkan subjeknya sebagai indikasi bias pro-Jerman. Dengan jarak historis dan budaya, simbol-simbol dan tanda kebesaran Jerman dipandang lebih sebagai respons pribadi terhadap hilangnya von Freyburg. Hartley menanggapi penolakan dengan melakukan perjalanan luas ke Maine, California, dan Bermuda.

Pelukis Maine

Dua dekade berikutnya kehidupan Marsden Hartley termasuk periode singkat yang tinggal di berbagai lokasi di seluruh dunia. Dia kembali ke New York pada 1920 dan kemudian pindah kembali ke Berlin pada 1921. Pada 1925, Hartley pindah ke Prancis selama tiga tahun. Setelah menerima Guggenheim Fellowship pada tahun 1932 untuk mendanai satu tahun lukisan di luar Amerika Serikat, ia pindah ke Meksiko.

Satu relokasi tertentu, pada pertengahan 1930-an, memiliki dampak mendalam pada pekerjaan akhir karier Marsden Hartley. Dia tinggal di Blue Rocks, Nova Scotia, bersama keluarga Mason. Lanskap dan dinamika keluarga memikat Hartley. Dia hadir untuk kematian tragis kematian dua putra dan sepupu keluarga pada tahun 1936. Beberapa sejarawan seni percaya bahwa Hartley memiliki hubungan romantis dengan salah satu putra. Emosi yang terhubung dengan acara tersebut menghasilkan fokus pada kehidupan dan potret.

Pada tahun 1941, Hartley kembali untuk tinggal di negara asalnya, Maine. Kesehatannya mulai menurun, tetapi ia sangat produktif di tahun-tahun terakhirnya. Hartley menyatakan bahwa dia ingin menjadi “Pelukis Maine.” Lukisannya tentang “Lobster Fishermen” menunjukkan kegiatan yang biasa di Maine. Sapuan kuas yang kasar dan garis besar sosok manusia menunjukkan pengaruh ekspresionisme Jerman yang berkelanjutan.

Gunung Katahdin, di wilayah utara Maine, adalah subjek pemandangan favorit. Dia juga melukis penggambaran yang khusyuk tentang acara-acara keagamaan keluarga.

Selama masa hidupnya, banyak kritikus seni menafsirkan lukisan Hartley yang akhir kariernya menggambarkan ruang ganti dan pemandangan pantai dengan pria bertelanjang dada yang mengenakan celana pendek dan celana renang minim sebagai contoh dari kesetiaan pro-Amerika baru dalam artis tersebut. Saat ini, sebagian besar mengakui mereka sebagai kesediaan dari pihak Hartley untuk secara lebih terbuka mengeksplorasi homoseksualitas dan perasaannya terhadap para pria dalam hidupnya.

Marsden Hartley meninggal dengan tenang karena gagal jantung pada tahun 1943.

Karir Menulis

Selain lukisannya, Marsden Hartley meninggalkan warisan penulisan yang luas yang mencakup puisi, esai, dan cerita pendek. Dia menerbitkan koleksi Twenty-Five Poems pada tahun 1923. Cerpennya, “Cleophas dan Miliknya Sendiri: Tragedi Atlantik Utara” mengeksplorasi pengalaman Hartley yang tinggal bersama keluarga Mason di Nova Scotia. Ini terutama berfokus pada kesedihan yang dialami Hartley setelah tenggelamnya putra-putra Mason.

Warisan

Marsden Hartley adalah seorang modernis kunci dalam perkembangan lukisan Amerika abad ke-20. Ia menciptakan karya-karya yang sangat dipengaruhi oleh ekspresionisme Eropa. Gaya akhirnya menjadi abstraksi ekspresionis total pada 1950-an.

Dua aspek materi pelajaran Hartley membuatnya terasing dari banyak sarjana seni. Pertama, adalah pelukannya terhadap subjek Jerman sementara Amerika Serikat berperang di Perang Dunia I melawan Jerman. Yang kedua adalah referensi homoerotik Hartley dalam karya selanjutnya. Akhirnya, pergeserannya ke pekerjaan regionalis di Maine menyebabkan beberapa pengamat mempertanyakan keseriusan Hartley secara keseluruhan sebagai seorang seniman.

Dalam beberapa tahun terakhir, reputasi Marsden Hartley telah tumbuh. Satu tanda yang jelas tentang pengaruhnya terhadap seniman muda adalah pertunjukan 2015 di New York di Galeri Driscoll Babcock di mana tujuh seniman kontemporer memajang lukisan yang menanggapi karya-karya kunci dalam karier Hartley.

Lukisan Termahal Di Dunia

Lukisan Termahal

Lukisan Termahal Di Dunia – Tidak ada keraguan bahwa banyak orang akan setuju bahwa sebagian besar karya seni yang ditemukan di museum dan koleksi pribadi di seluruh dunia sangat berharga. Menjadi salah satu dari jenis, membuatnya sulit untuk memberi harga pada banyak karya; namun, hampir setiap hari, karya seni dijual dan dibeli, seringkali membawa label harga yang lumayan yang kebanyakan tidak akan pernah mampu beli. Kami melihat beberapa karya seni – dari Old Masters hingga karya kontemporer – yang tidak dapat disangkal adalah beberapa karya termahal di dunia.

Lukisan Termahal Mona Lisa – Leonardo da Vinci

Banyak orang mungkin akan setuju bahwa Mona Lisa, dilukis oleh master Renaissance Tinggi Leonardo da Vinci, sangat berharga. Menempatkan harga pada sebuah mahakarya kaliber ini hampir tidak mungkin; namun pada tahun 1962, Mona Lisa diasuransikan sebesar $ 100 juta USD, tertinggi pada saat itu. Dalam uang hari ini, itu adalah sekitar $ 700 juta USD, dengan mudah menjadikannya lukisan yang paling mahal. Salah satu lukisan paling terkenal juga, Mona Lisa adalah potret indah yang diyakini sebagai lukisan Lisa Gherardini, istri pedagang kain Florentine Francesco del Giocondo. Karena harganya yang tak ternilai, satu-satunya cara untuk melihat keindahan ini adalah dengan mengunjungi Museum Louvre di Paris – bersiaplah untuk orang banyak yang sangat besar.

Lukisan Termahal Interchange – Willem de Kooning

Pada musim gugur 2015, Ken Griffin, seorang investor dana lindung nilai miliarder, membeli dua lukisan dari David Geffen, seorang tokoh bisnis yang sukses yang memakai banyak topi, dari produser hingga eksekutif studio film, dengan total $ 500 juta USD. Salah satu lukisan itu adalah lukisan 1955 karya Willem de Kooning, Interchange. Menurut sumber, harga lukisan abstrak ekspresionis yang satu ini adalah $ 300 juta USD, dan sementara banyak karya dengan pembeli pribadi sering masuk ke koleksi pribadi, tidak mengizinkan akses publik, Mr. Griffin, yang duduk di dewan pengawas Seni Institute of Chicago, telah meminjamkan Interchange ke museum sehingga siapa pun yang ingin melihatnya dapat melakukannya.

Lukisan Termahal Nafea Faa Ipoipo (Kapan Kau Menikah?) – Paul Gauguin

Saat itu tahun 1891, dan itu adalah pertama kalinya Paul Gauguin melakukan perjalanan ke Tahiti, memulai hubungan cintanya dengan negara dan para wanita. Sebagai inspirasi bagi banyak seniman modern, Gauguin melukis Nafea Faa Ipoipo pasca-impresionis (When Will You Marry?) Pada tahun 1892. Menggambarkan dua wanita duduk di antara lanskap penuh warna emas, hijau dan biru, karya seni yang dijual pada 2015 dalam penjualan pribadi untuk sekitar $ 300 juta USD, mengikatnya dengan Interchange sebagai karya paling mahal yang pernah dijual. Sementara pembeli tidak dikonfirmasi, banyak orang di dunia seni percaya bahwa sekarang milik keluarga kerajaan Qatar.

Para Pemain Kartu – Paul Cézanne

Pemain Kartu 1892-93 adalah satu dari lima seri yang diproduksi oleh Paul Cézanne yang luar biasa sepanjang karirnya. Sebagian besar lukisan ini bertempat di koleksi museum terkenal di dunia, seperti Musée D’Orsay di Paris dan Institut Seni Courtauld di London. Para pecinta seni di seluruh dunia mengetahui pada 2012 bahwa versi khusus ini dijual secara pribadi pada tahun sebelumnya, pada 2011, dengan harga menakjubkan lebih dari $ 250 juta USD – dalam uang hari ini, yaitu sekitar $ 269 juta USD. Pada saat itu, itu adalah lukisan termahal yang pernah dijual. Sementara karya tersebut belum dikonfirmasi berada di tangan keluarga kerajaan Qatar, lukisan ini dipastikan berada di tangan mereka.

Nomor 17A – Jackson Pollock

Ingat bahwa $ 500 juta USD yang menakjubkan yang dihabiskan Ken Griffin untuk dua lukisan dari koleksi idn sports? Nah, lukisan kedua – dibeli dengan harga $ 200 USD yang sama mengesankan – adalah nomor 17A karya abstrak ekspresionis, Jackson Pollock. Dilukis pada tahun 1948, lukisan tetes menakjubkan ini menampilkan berbagai warna berani seperti kuning, merah, oranye biru, bersama dengan beberapa warna putih dan hitam. Seperti Interchange, pengunjung juga dapat melihat yang ini secara langsung di Art Institute of Chicago.

No. 6 (Violet, Hijau dan Merah) – Mark Rothko

Dicat pada tahun 1951 oleh pelukis Rusia-Amerika Mark Rothko, karya abstrak No 6. (Violet, Green dan Red) dijual secara pribadi pada tahun 2014 seharga $ 186 juta USD, mencetak rekor tertinggi bagi artis tersebut sekaligus menjadikannya salah satu lukisan paling mahal pernah. Dikenal karena kanvasnya yang menampilkan bentuk persegi panjang berwarna cerah, lukisan Rothko dijual kepada miliarder Rusia Dmitry Rybolovlev, penjualan yang difasilitasi oleh dealer seni Yves Bouvier. Percaya dia salah tentang harga karya seni, Rybolovlev sekarang dalam perselisihan hukum dengan Bouvier.

Mengapa Lukisan Monalisa yang Penuh dengan Misteri Begitu Terkenal?

Mengapa Lukisan Monalisa yang Penuh dengan Misteri Begitu Terkenal?

Mona Lisa mungkin adalah karya seni yang paling dikenal di dunia, tetapi pernahkah Anda bertanya-tanya mengapa Mona Lisa begitu terkenal? Ada sejumlah alasan di balik ketenaran abadi karya ini, dan digabungkan, mereka menciptakan kisah yang menarik yang telah bertahan selama berabad-abad. Untuk memahami mengapa Mona Lisa tetap menjadi salah satu gambar paling ikonik di dunia seni, kita harus melihat sejarahnya yang misterius, upaya pencurian yang terkenal, dan teknik seni inovatif.

Fakta Menarik Mona Lisa

  • Mona Lisa dilukis oleh Leonardo da Vinci dan diyakini sebagai potret Lisa Gherardini, istri Francesco Giocondo.
  • Untuk lukisan yang begitu terkenal, sangat kecil; ukurannya hanya 30 inci kali 21 inci (77 cm kali 53 cm).
  • Lukisan itu menggunakan sejumlah teknik seni unik untuk menarik pengunjung; Keterampilan Leonardo kadang-kadang disebut sebagai Efek Mona Lisa.
  • Mona Lisa dicuri dari Louvre pada tahun 1911, dan belum pulih selama lebih dari dua tahun; dia sekarang ditempatkan di balik kaca anti peluru untuk melindunginya dari pengacau.

Origins Mona Lisa

Mona Lisa dilukis selama beberapa tahun oleh Leonardo da Vinci, polymath dan seniman Florentine yang menciptakan beberapa karya ikonik Renaissance. Terlahir sebagai Leonardo di ser Piero da Vinci pada tahun 1452, ia adalah putra seorang bangsawan yang tidak sah, dan meskipun ada sedikit informasi tentang masa kecilnya, para sarjana tahu bahwa sebagai seorang pemuda ia magang ke seorang seniman dan pemahat bernama Andrea di Cione del Verrocchio. Dia menciptakan banyak karya seni canggih selama karirnya, dan pada awal 1500-an, mulai bekerja pada apa yang kemudian dikenal sebagai Mona Lisa.

Tidak seperti banyak karya seni pada masa itu, Mona Lisa tidak dilukis di atas kanvas. Sebagai gantinya, ia dilukis pada panel kayu poplar. Meskipun ini mungkin tampak aneh, perlu diingat bahwa Leonardo adalah seorang pematung dan seniman yang telah melukis di dinding besar plester sepanjang sebagian besar karirnya, jadi panel kayu mungkin tidak terlalu membentang baginya.

Slot Online Secara umum dipercaya bahwa lukisan itu adalah lukisan Lisa Gherardini, istri seorang pedagang sutra kaya bernama Francesco del Giocondo. Kata mona adalah versi bahasa sehari-hari dari kata Italia untuk madam atau nyonya, maka judulnya Mona Lisa. Judul pengganti karya itu adalah La Giaconda. Diyakini bahwa lukisan itu ditugaskan oleh Giocondo untuk memperingati kelahiran anak kedua pasangan itu.

Selama bertahun-tahun, ada teori bahwa Lisa Gherardini sebenarnya bukan model dalam lukisan ini. Spekulasi merebak bahwa wanita misterius dalam gambar itu bisa jadi salah satu dari selusin wanita bangsawan Italia saat itu; bahkan ada teori populer bahwa Mona Lisa adalah versi feminisasi dari Leonardo sendiri. Namun, sebuah catatan yang ditulis pada tahun 1503 oleh Agostino Vespucci, seorang pegawai Italia yang merupakan asisten Niccolò Machiavelli, menunjukkan bahwa Leonardo mengatakan kepada Vespucci bahwa dia memang sedang mengerjakan lukisan istri del Giocondo. Secara umum, sejarawan seni setuju bahwa Mona Lisa benar-benar adalah Lisa Gherardini.

Para ahli juga setuju bahwa Leonardo menciptakan lebih dari satu versi Mona Lisa; selain komisi del Giocondo, ada kemungkinan yang kedua ditugaskan oleh Giuliano de Medici pada 1513. Versi Medici diyakini sebagai versi yang digantung di Louvre hari ini.

Teknik Seni Unik

Tidak seperti beberapa karya seni abad keenambelas, Mona Lisa adalah potret yang sangat realistis dari seorang manusia yang sangat nyata. Alicja Zelazko dari Encyclopedia Britannica mengaitkan hal ini dengan keterampilan Leonardo dengan kuas, dan penggunaan teknik seni yang baru dan menarik selama Renaissance. Dia berkata,

Wajah pahatan subjek yang lembut menunjukkan keahlian Leonardo menangani sfumato, teknik artistik yang menggunakan gradasi cahaya dan bayangan yang halus untuk membentuk model, dan menunjukkan pemahamannya tentang tengkorak di bawah kulit. Jilbab yang dicat dengan indah, pohon-pohon yang ditata halus, dan render kain yang dilipat dengan hati-hati mengungkapkan pengamatan yang dipelajari Leonardo dan kesabaran yang tiada habisnya.

Selain penggunaan sfumato, yang jarang dilakukan pada saat itu, wanita dalam potret tersebut memiliki ekspresi misterius di wajahnya. Sekaligus menyendiri dan memikat, senyum lembutnya benar-benar berubah, tergantung pada sudut dari mana penonton melihatnya. Berkat perbedaan persepsi frekuensi spasial di mata manusia, dari satu sudut pandang dia terlihat ceria … dan dari sudut pandang lain, pemirsa tidak bisa memastikan apakah dia bahagia atau tidak.

Mona Lisa juga merupakan potret Italia paling awal di mana subjek dibingkai dalam potret setengah panjang; lengan dan tangan wanita ditampilkan tanpa menyentuh bingkai. Dia ditampilkan hanya dari kepala ke pinggang, duduk di kursi; lengan kirinya bersandar di lengan kursi. Dua kolom terpisah membingkai dirinya, menciptakan efek jendela yang menghadap ke pemandangan di belakangnya.

Akhirnya, berkat penguasaan Leonardo atas pencahayaan dan bayangan, mata wanita itu tampak mengikuti pemirsa di mana pun mereka berdiri. Leonardo bukan yang pertama kali menciptakan penampilan yang mata orangnya mengikuti orang-orang di sekitar ruangan, tetapi efeknya sangat erat terkait dengan keterampilannya sehingga telah dikenal agak salah sebagai “Efek Mona Lisa.”

Lukisan Dicuri

Selama berabad-abad, Mona Lisa digantung dengan tenang di Louvre, umumnya tanpa disadari, tetapi pada 21 Agustus 1911, benda itu dicuri langsung dari dinding museum dalam pencurian yang mengguncang dunia seni. Lukisan itu dicuri Senin pagi, tetapi hal yang menarik tentang itu adalah bahwa itu tidak sampai Selasa pada siang hari bahwa mereka pertama kali menyadari itu hilang.

Begitu pencurian ditemukan, Louvre ditutup selama seminggu sehingga simpatisan dapat menyusun puzzle. Awalnya, teori konspirasi ada di mana-mana. Louvre telah menggelar aksi pencurian sebagai aksi publisitas, Pablo Picasso ada di belakangnya, atau mungkin penyair Prancis Guillaume Apollinaire telah mengambil lukisan itu. Polisi Prancis menyalahkan Louvre karena keamanannya lemah, sementara Louvre secara terbuka mencemooh pejabat penegak hukum karena gagal menemukan petunjuk.

Setelah lebih dari dua tahun, pada akhir 1913, seorang pedagang seni Florentine bernama Alfredo Geri menerima surat dari seorang pria yang mengaku memiliki lukisan itu. Geri segera menghubungi polisi, yang segera menangkap Vincenzo Peruggia, seorang tukang kayu Italia yang telah bekerja di Louvre pada saat pencurian. Peruggia mengakui bahwa dia hanya mengangkat mahakarya dari empat kait yang menggantungnya, menaruhnya di bawah jubah pekerjaanya, dan baru saja berjalan keluar pintu Louvre. Mona Lisa ditemukan tersimpan dengan aman di apartemen Peruggia, hanya beberapa blok dari museum. Peruggia mengatakan dia mencuri lukisan itu karena itu milik museum Italia dan bukan museum Prancis. Ada juga desas-desus bahwa dia mengambilnya sehingga pemalsu bisa membuat salinannya untuk dijual di pasar gelap.

Begitu Mona Lisa dikembalikan ke Louvre, orang Prancis berbondong-bondong melihatnya, dan segera, begitu pula orang-orang dari seluruh dunia. Lukisan kecil dan sederhana dari seorang wanita yang mungkin tersenyum telah menjadi sensasi semalam, dan merupakan karya seni paling terkenal di dunia.

Sejak pencurian 1913, Mona Lisa telah menjadi target kegiatan lainnya. Pada tahun 1956, seseorang melemparkan asam pada lukisan itu, dan dalam serangan lain pada tahun yang sama, sebuah batu dilemparkan ke sana, menyebabkan sedikit kerusakan pada siku kiri subjek. Pada tahun 2009, seorang turis Rusia melemparkan cangkir terra cotta ke lukisan itu tidak ada kerusakan yang terjadi, karena Mona Lisa telah berada di balik kaca anti peluru selama beberapa dekade.

Wajah Paling Terkenal di Dunia

Mona Lisa telah memengaruhi banyak pelukis, mulai dari orang sezaman Leonardo hingga seniman modern masa kini. Berabad-abad sejak penciptaannya, Mona Lisa telah disalin ribuan kali oleh seniman di seluruh dunia. Marcel Duchamp mengambil kartu pos Mona Lisa dan menambahkan kumis dan janggut. Master modern lain seperti Andy Warhol dan Salvador Dali melukis versi mereka sendiri, dan seniman telah melukisnya dengan segala cara, termasuk sebagai dinosaurus, unicorn, salah satu Coneheads Saturday Night Live, dan mengenakan kacamata hitam dan telinga Mickey Mouse.

Meskipun tidak mungkin untuk menempatkan jumlah dolar pada lukisan berusia 500 tahun, diperkirakan bahwa Mona Lisa bernilai hampir $ 1 miliar.

Jalan Hidup Pelukis Jalanan Jean-Michel Basquiat

Jalan Hidup Pelukis Jalanan Jean-Michel Basquiat

Jean-Michel Basquiat (22 Desember 1960 – 12 Agustus 1988) adalah seorang seniman Amerika keturunan Haiti dan Puerto Rico yang pertama kali dikenal sebagai setengah dari duo grafiti Kota New York yang dikenal sebagai SAMO. Dengan rendering media campuran yang menampilkan perpaduan simbol, frasa, diagram, stickmen, dan grafik, bersama dengan penggambaran rasisme dan perang kelas, Basquiat bangkit dari jalanan kota New York untuk menjadi anggota yang diterima dari eselon atas dari sebuah adegan seni 1980-an yang termasuk orang-orang seperti Andy Warhol dan Keith Haring. Sementara Basquiat meninggal sebagai akibat dari overdosis heroin pada usia 27, karyanya terus memiliki makna dan menemukan audiens hari ini.

Masa Muda

Meskipun Basquiat telah lama dianggap sebagai seniman jalanan, ia tidak tumbuh di jalanan berpasir di pusat kota tetapi di rumah kelas menengah. The Brooklyn, New York, asli lahir pada 22 Desember 1960, dari ibu Puerto Rico Matilde Andrades Basquiat dan ayah Haiti-Amerika Gérard Basquiat, seorang akuntan. Berkat warisan multikultural orang tuanya, Basquiat dilaporkan berbicara bahasa Prancis, Spanyol, dan Inggris. Salah satu dari empat anak yang lahir dari pasangan itu, Basquiat tumbuh di sebuah batu cokelat tiga lantai di lingkungan Bukit Boerum di Brooklyn Barat Laut. Saudaranya Max meninggal tak lama sebelum kelahiran Basquiat, menjadikannya saudara kandung tertua dari Lisane dan Jeanine Basquiat, masing-masing lahir pada tahun 1964 dan 1967.

Pada usia 7, Basquiat mengalami peristiwa yang mengubah hidup ketika ia ditabrak mobil saat bermain poker online di jalan dan kehilangan limpa sebagai hasilnya. Ketika ia pulih selama satu bulan dirawat di rumah sakit, bocah lelaki itu terpesona oleh buku teks terkenal “Gray’s Anatomy” yang diberikan kepadanya oleh ibunya. Buku ini telah dikreditkan sebagai pengaruh dalam pembentukan band rock eksperimental Gray, pada tahun 1979. Itu juga membentuknya sebagai seorang seniman. Kedua orang tuanya melayani sebagai pengaruh juga. Matilde membawa Basquiat muda ke pameran seni dan juga membantunya menjadi anggota junior di Museum Brooklyn. Ayah Basquiat membawa pulang kertas dari kantor akuntan ini yang digunakan oleh seniman pemula untuk menggambarnya.

Sikatnya dengan kematian bukanlah satu-satunya peristiwa traumatis yang berdampak pada masa kecil Basquiat. Tidak lama setelah kecelakaan mobil, orang tuanya berpisah. Matilde menderita masalah kesehatan mental yang berkelanjutan yang membutuhkan pelembagaan berkala, sehingga ayahnya diberi hak asuh atas anak-anak. Artis dan ayahnya mengembangkan hubungan yang kacau. Sebagai remaja, Basquiat secara sporadis hidup sendiri atau bersama teman-teman ketika ketegangan berkobar di rumah. Gérard Basquiat dilaporkan menendang putranya ketika remaja tersebut keluar dari Sekolah Menengah Edward R. Murrow, tetapi dalam banyak hal, kemandirian yang dipaksakan ini menjadikan anak lelaki itu sebagai seniman dan lelaki.

Menjadi Artis

Harus hanya mengandalkan kecerdasan dan sumber dayanya sendiri mendorong Basquiat untuk mencari nafkah dan membuat nama untuk dirinya sendiri sebagai seorang seniman. Remaja itu mengayuh dan menjual kartu pos dan T-shirt untuk menghidupi dirinya sendiri. Namun, selama masa ini, ia juga mulai mendapatkan perhatian sebagai seniman grafiti. Menggunakan nama SAMO, singkatan dari “Same Old Sh * t,” Basquiat dan temannya Al Diaz melukis grafiti di gedung-gedung Manhattan yang berisi pesan anti kemapanan.

Tak lama kemudian, pers alternatif memperhatikan pasangan itu, yang menyebabkan kesadaran tinggi akan komentar sosial artistik mereka. Ketidaksepakatan akhirnya membuat Basquiat dan Diaz berpisah. Pesan grafiti bersama terakhir mereka, “SAMO sudah mati,” ditemukan tertulis di fasad bangunan New York yang tak terhitung jumlahnya. Kepergian SAMO diberikan upacara pengantaran oleh sesama seniman jalanan yang berubah menjadi media-phenom Keith Haring di Club 57-nya.

Kesuksesan Artistik dan Kesadaran Rasial

Pada 1980, Basquiat telah menjadi seniman yang diterima dengan baik. Dia berpartisipasi dalam pameran kelompok pertamanya, “The Times Square Show,” tahun itu. Pameran kelompok kedua di PS1 / Institut Seni dan Sumber Daya Perkotaan nirlaba pada tahun 1981 adalah giliran pertamanya. Sementara pameran memamerkan karya lebih dari 20 seniman, Basquiat muncul sebagai bintangnya, yang menyebabkan artikel yang ditulis tentang dia berjudul, “The Radiant Child” di majalah Artforum. Dia juga memiliki peran semi-otobiografi dalam film “Downtown 81.” (Meskipun diambil pada 1980-1981, film ini tidak dirilis hingga 2000.)

Dipengaruhi oleh punk, hip-hop, Pablo Picasso, Cy Twombly, Leonardo da Vinci, dan Robert Rauschenberg, serta warisan Karibia-nya sendiri, pesan Basquiat berfokus pada dikotomi sosial. Dia menggambarkan perdagangan budak transatlantik dan perdagangan budak Mesir dalam karya-karyanya. Dia merujuk “Amos ‘n’ Andy,” sebuah program radio dan televisi di Harlem yang dikenal karena stereotip anti-hitamnya, dan mengeksplorasi pergulatan internal dan implikasi dari apa artinya menjadi seorang polisi Afrika-Amerika di Amerika. Dalam sebuah artikel untuk BBC News, kritikus seni Daily Telegraph, Alastair Sooke menulis, “Basquiat menyesalkan fakta bahwa sebagai seorang pria kulit hitam, di samping kesuksesannya, ia tidak dapat membebani taksi di Manhattan dan ia tidak pernah malu berkomentar secara eksplisit dan agresif atas ketidakadilan rasial di Amerika. “

Pada pertengahan 1980-an, Basquiat berkolaborasi dengan seniman terkenal Andy Warhol pada pameran seni. Pada tahun 1986, ia menjadi seniman termuda yang memamerkan karya di Galeri Kestner-Gesellschaft Jerman, tempat sekitar 60 lukisannya ditampilkan. Tetapi sang artis memiliki pencela dan penggemarnya, termasuk kritikus seni Hilton Kramer, yang menggambarkan karier Basquiat sebagai “salah satu kebohongan ledakan seni tahun 1980-an” serta pemasaran artis sebagai “omong kosong murni.”

Kematian

Di akhir usia 20-an, Basquiat mungkin berada di puncak dunia seni tetapi kehidupan pribadinya berantakan. Dia kecanduan heroin, dan menjelang akhir hidupnya dia memutuskan hubungan dengan masyarakat. Setelah melakukan upaya yang gagal untuk menghentikan penyalahgunaan heroin dengan melakukan perjalanan ke Maui, Hawaii, ia kembali ke New York dan meninggal karena overdosis pada usia 27 tahun di studio Great Jones Street yang ia sewa dari perkebunan Warhol pada 12 Agustus 1988. Basquiat’s kematian memberinya tempat di “27 Club” yang meragukan, yang anggota lainnya termasuk Jimi Hendrix, Janis Joplin, Jim Morrison, dan kemudian, Kurt Cobain dan Amy Winehouse. Mereka semua meninggal pada usia 27 tahun.

”Tahun 80-an, baik atau buruk, adalah dasawarsa itu,” tulis juru tulis Newsday, Karin Lipson pada tahun 1993, menyimpulkan kenaikannya menjadi terkenal. “Kanvas-kanvasnya, dengan gambar ‘primitif’ yang seperti topeng, dengan licik, dan kata-kata serta frasa yang ditulis, ditemukan dalam koleksi yang paling modis. Dia sering mengunjungi klub di pusat kota dan restoran-restoran di kota, mengenakan Armani dan rambut gimbal. Dia menghasilkan banyak uang … Teman-teman dan kenalan tahu sisi buruknya, meskipun: urusannya dengan pedagang seni; caranya yang mewah; kesedihannya atas kematian teman dan kolaborator yang kadang-kadang Warhol (yang meninggal pada tahun 1987), dan yang berulang-ulang turun menjadi kecanduan narkoba. ”

Warisan

Delapan belas tahun setelah kematiannya, film biografi “Basquiat,” yang dibintangi oleh Jeffrey Wright dan Benicio del Toro, memaparkan generasi baru pada karya seniman jalanan. Julian Schnabel, yang muncul sebagai seniman pada saat yang sama dengan Basquiat, mengarahkan film ini. Selain biopic Schnabel, Basquiat adalah subjek dari film dokumenter Tamra Davis 2010, “Jean-Michel Basquiat: The Radiant Child.”

Tubuh kerja Basquiat mencakup sekitar 1.000 lukisan dan 2.000 gambar. Koleksi karya Basquiat telah dipamerkan di beberapa museum, termasuk Museum Seni Amerika Whitney (1992), Museum Brooklyn (2005), Museum Guggenheim Bilbao (2015) di Spanyol, Museum Budaya di Italia (2016), dan Barbican Center di Inggris (2017).

Sementara Basquiat dan ayahnya memiliki perbedaan, Gérard Basquiat telah dipercaya mempertahankan integritas pekerjaan putranya dan juga meningkatkan nilainya. (Penatua Basquiat meninggal pada tahun 2013.) Menurut DNAInfo, “[Gérard Basquiat] dengan ketat mengontrol hak cipta putranya, secara metodis meneliti naskah film, biografi, atau publikasi galeri yang ingin menggunakan karya atau gambar putranya [dan] yang dikhususkan tak terhitung jumlahnya berjam-jam untuk mengurus komite pengesahan yang ditinjau menyerahkan karya seni yang mengaku milik putranya. Jika disahkan, nilai karya seni itu bisa meroket. Kepalsuan yang dianggap tidak berharga. ”

Pada saat Basquiat mencapai usia 20-an, karya seninya telah terjual puluhan ribu dolar. Potongan yang terjual sebanyak $ 50.000 selama masa hidupnya melonjak menjadi sekitar $ 500.000 setelah kematiannya dan terus meningkat. Pada Mei 2017, pendiri startup Jepang Yusaku Maezawa membeli lukisan tengkorak 1982 milik Basquiat “Tanpa Judul” dengan harga $ 110,5 juta yang memecahkan rekor di lelang Sotheby. Tidak ada karya seni oleh orang Amerika, apalagi orang Afrika-Amerika, yang pernah memerintahkan harga yang memecahkan rekor seperti itu. Karya dan kehidupan Basquiat terus menginspirasi kekuatan kreatif di berbagai genre termasuk musik, sastra, seni, desain pakaian, dan banyak lagi.

Biografi Leonardo da Vinci Seniman Terbaik di Dunia

Biografi Leonardo da Vinci Seniman Terbaik di Dunia

Leonardo da Vinci (1452 – 1519) adalah salah satu pemikir, seniman, dan filsuf terhebat dunia. Mencari kesempurnaan, ia menciptakan karya seni langka seperti ‘The Mona Lisa’ dan The Last Supper. ‘

Selain seni, Da Vinci mempelajari semua aspek kehidupan dari anatomi hingga matematika dan astronomi; investigasi dan penemuannya yang luas berusaha menunjukkan persatuan alam semesta yang mendasarinya. Da Vinci dianggap sebagai orang kunci dalam kelahiran Renaisans Eropa, yang melihat munculnya ide-ide baru, penemuan ilmiah dan penciptaan seni yang indah.

Biografi Singkat Leonardo da Vinci

Leonardo terlahir sebagai putra tidak sah dari seorang wanita bangsawan dan petani Florentine; dia dibesarkan di Vinci, Italia. Dalam tahun-tahun pembentukannya, ia mengembangkan kecintaan terhadap alam dan sejak usia dini mulai menunjukkan bakat akademik dan artistiknya yang luar biasa.

Pada 1466, ia pindah ke Florence di mana ia memasuki bengkel Verrocchio. Awalnya, gaya formatifnya mencerminkan gurunya tetapi ia segera mengembangkan rasa artistik yang jauh melampaui gaya kaku gurunya. Karya pertamanya yang penting adalah “Adorasi Orang Majus” yang ditugaskan oleh para biksu San Donato a Scopeto. Meskipun belum selesai, karya itu adalah sebuah mahakarya dan memperkenalkan beberapa ide baru. Secara khusus, ia memperkenalkan tema gerakan dan drama. Dia juga memelopori penggunaan Chiaroscuro; ini adalah teknik mendefinisikan bentuk melalui kontras cahaya dan bayangan. Ini nantinya akan digunakan untuk efek besar dalam Mona Lisa.

“Bayangan adalah sarana yang dengannya tubuh menampilkan bentuk mereka. Bentuk-bentuk tubuh tidak dapat dipahami secara rinci tetapi untuk bayangan. “The Notebooks Leonardo da Vinci (Richter, 1888)

Pada 1482, Leonardo pergi ke pengadilan Ludovico Sforza di Milan, tempat ia tinggal selama 16 tahun. Di sini ia terus melukis dan juga melebarkan sayap ke minat lain seperti teknik dan anatomi. Selama periode ini ia melukis karya seni terkenal “Madonna on the Rocks” dan juga “The Last Supper.”

Perjamuan Terakhir telah digambarkan sebagai salah satu lukisan keagamaan terbesar. Dengan Kristus di tengah gambar, itu mewujudkan perasaan dan emosi yang besar ketika Kristus akan mengumumkan pengkhianatannya yang akan segera dilakukan oleh Yudas. Lukisan itu diadakan di Biara Santa Maria Delle Grazie, Milan, tetapi sayangnya seiring waktu kualitas lukisan asli telah memburuk, meskipun upaya restorasi sering dilakukan.

Leonardo Da Vinci dan Mona Lisa

Pada 1499, pelindungnya L. Sforza dikalahkan oleh invasi Prancis, menyebabkan Leonardo kembali ke Florence. Selama periode pkv games ini, ia melukis lukisan dinding Pertempuran Anghiari. Karya seni ini adalah untuk memberikan pengaruh luar biasa pada seniman masa depan. Namun, itu tidak pernah selesai dan kemudian dihancurkan. Itu juga selama periode ini bahwa Leonardo menyelesaikan The Mona Lisa. Mona Lisa adalah salah satu foto paling terkenal dan menarik di dunia. Mona Lisa adalah potret seorang istri bangsawan Florentine. Selama beberapa hari dia datang ke Leonardo dan duduk untuk potretnya dicat; Namun, dia menolak untuk tersenyum. Leonardo bahkan mencoba merekrut musisi tetapi tidak berhasil. Suatu hari, hanya untuk sesaat, dia tersenyum tipis, dan Leonardo bisa menangkapnya. Senyumnya merangkum sebuah misteri yang menarik sekaligus memukau. Sri Chinmoy berkata tentang Mona Lisa.

“Senyum itu telah mengabadikannya, mengabadikan artis dan mengabadikan seni. Seniman dan seni telah diabadikan hanya dengan senyum tipis, senyum yang memiliki sentuhan misterius. Bahkan sekarang ada sentuhan jiwa, dan sentuhan jiwa itu telah menaklukkan hati dunia. ”

Di Mona Lisa, Leonardo menguasai teknik sfumato dan chiaroscuro. Sfumato memungkinkan transisi bertahap antara warna – memungkinkan gambar yang halus dan ekspresif. Dalam Mona Lisa, penggunaan chiaroscuro terbukti dalam kontras antara wajahnya dan latar belakang yang gelap.

Dalam periode ini Leonardo juga memperluas studinya ke bidang teknik, sains, dan mata pelajaran lainnya. Tampaknya tidak ada akhir bagi minatnya. Dia membuat catatan berlebihan dalam tulisan tangan cerminnya yang kompleks, yang kebanyakan tidak dapat diuraikan dalam hidupnya. Dia juga menggambar model mesin yang rumit; khususnya, dia terpesona dengan penerbangan. Dia biasa membeli burung hanya supaya dia bisa melepaskan dan menikmati menonton mereka terbang. Da Vinci juga berusaha membangun objek terbang sendiri. Mesin yang ia gambar di atas kertas, seperti helikopter, akan menjadi kenyataan berabad-abad kemudian. Jika studi medisnya telah diterbitkan, itu akan merevolusi sains, karena ia adalah orang pertama yang memahami sirkulasi darah di dalam tubuh. Dia juga menyadari bahwa bumi berputar mengelilingi matahari, mengantisipasi pekerjaan masa depan Copernicus dan Galileo. Da Vinci terdorong untuk merenungkan semua aspek kehidupan dan dunia, itu membuatnya dengan cinta yang besar dan daya tarik dengan alam semesta.

“Di sini bentuk, di sini warna, di sini karakter setiap bagian dari alam semesta terkonsentrasi pada satu titik; dan hal itu sangat luar biasa … Oh! Luar biasa, O Kebutuhan yang luar biasa – oleh hukum-hukummu engkau memaksa setiap akibat menjadi akibat langsung dari penyebabnya, melalui jalan terpendek.

Melalui bidang yang berbeda, Da Vinci berusaha untuk melihat kesatuan yang mendasar di alam semesta dan mengambil pandangan optimis tentang potensi manusia.

“Hal-hal yang terpisah akan disatukan dan memperoleh kebajikan sedemikian rupa sehingga mereka akan mengembalikan kepada manusia ingatannya yang hilang.”

Pria Vitruvian

Ini adalah gambar proporsi manusia. Da Vinci menggunakan karya sebelumnya dan catatan oleh arsitek Romawi Vitruvius. Gambar menggabungkan seni, manusia dan sains – menggambarkan keindahan proporsi geometris dan bentuk manusia. Ini adalah simbol dari karya Da Vinci, dan Renaissance yang diilhaminya, untuk menggabungkan bentuk-bentuk seni ini menjadi satu diagram. Dalam kesederhanaan gambar garis, ada banyak faktor berbeda yang dimainkan; itu telah menjadi gambar ikonik.

Ketenaran Da Vinci tumbuh selama masa hidupnya, meskipun ia bukan orang kaya dan ia harus bergantung pada perlindungan pelanggannya. Ini termasuk orang-orang kuat, seperti Cesare Borgia, yang pada awal 1500-an menuntut instrumen desain perang Da Vinci. Da Vinci merancang busur silang, tangki prototipe, dan ‘senapan mesin.’

Kehidupan pribadi Da Vinci

Leonardo tetap melajang sepanjang hidupnya. Dia tidak menikah atau punya anak. Dia merahasiakan kehidupan pribadinya dan membagikan beberapa detail. Dia dekat dengan murid-muridnya, Salai dan Melzi, tetapi tampaknya sebagian besar terserap dalam penyelidikan, pekerjaan, dan lukisannya yang luas. Pada zamannya, laporan kontemporer menunjukkan bahwa Da Vinci adalah orang yang unik, dengan kecantikan fisik, kehadiran yang bermartabat dan karakter moral yang kuat. Da Vinci mengungkapkan cintanya pada kebenaran:

“Berbohong itu sangat keji, bahkan jika itu berbicara dengan baik tentang hal-hal yang saleh itu akan menghilangkan sesuatu dari rahmat Allah; dan Kebenaran sangat luar biasa, sehingga jika memuji tetapi hal-hal kecil, mereka menjadi mulia. ”Buku Catatan Leonardo da Vinci

Penulis biografinya yang pertama, Giorgio Vasari, menulis tentang orang Da Vinci pada tahun 1550.

“Selain kecantikan tubuh yang tidak pernah cukup dipuji, ada anugerah yang tak terbatas dalam semua tindakannya; dan kejeniusannya, dan pertumbuhannya sedemikian besar, sehingga untuk kesulitan apa pun yang ia pikirkan, ia memecahkannya dengan mudah. ​​”(Sumber teks)

Karakteristik utama Da Vinci adalah rasa hormat dan penghormatannya yang luas terhadap kebenaran, kehidupan, dan makhluk hidup. Dia mengadopsi diet vegetarian dan akan membeli burung-burung yang dikurung supaya dia bisa melepaskan mereka. Dia dikutip mengatakan:

“Waktunya akan tiba ketika orang-orang seperti saya akan memandang pembunuhan binatang seperti sekarang mereka memandang pembunuhan manusia.”

Antara 1506-1510, Leonardo menghabiskan waktu di Milan bekerja atas nama Raja Prancis Lois XII yang sangat dermawan. Pada 1513 ia melakukan perjalanan ke Vatikan, Roma di mana ia menikmati perlindungan Paus Medici yang baru, Leo X. Di sini, Da Vinci bekerja dekat dengan orang-orang sezaman seperti Master Michelangelo dan Raphael yang hebat. Namun, persaingan sengit segera berkembang antara Michelangelo yang lebih muda dan Da Vinci.

Agama Da Vinci

Meskipun menjadi pelindung Paus, Da Vinci bukan seorang Katolik ortodoks. Vasari menulis tentang Da Vinci bahwa dia adalah:
“Orang-orang yang berpikiran sesat itu tidak dapat memeluk agama apa pun, berpikir mungkin lebih baik menjadi seorang filsuf daripada seorang Kristen.”

Vasari menghapus kutipan ini di edisi kedua tetapi, dari pekerjaan hidupnya, kita dapat melihat Da Vinci menghargai alasan dan bersedia mempertanyakan dogma yang diturunkan selama berabad-abad. Da Vinci menulis kritik terhadap penjualan indulgensi oleh Gereja Katolik. Lukisan-lukisan keagamaan Da Vinci juga menunjukkan keyakinan agama yang diekspresikan dengan cara yang tidak sesuai. Nya Madonna on the Rocks menggabungkan Perawan Maria, tidak berpakaian megah atau dikelilingi dengan lingkaran cahaya, tetapi hanya berpakaian di lingkungan alam. Da Vinci memang percaya pada Tuhan, tetapi kepekaan religiusnya diekspresikan melalui melihat Tuhan dalam seni, sains dan alam.

“Kami, dengan seni kami, dapat disebut cucu Tuhan.” Buku Catatan Leonardo da Vinci

Da Vinci adalah perfeksionis yang hebat – salah satu alasan mengapa ia menyelesaikan begitu sedikit lukisan adalah bahwa ia tidak pernah merasa telah menyelesaikan apa pun dengan memuaskan. Dia mengatakan menjelang akhir hidupnya:
“Saya telah menyinggung Tuhan dan umat manusia karena pekerjaan saya tidak mencapai kualitas yang seharusnya.”

Pada 1515, Da Vinci pergi untuk menetap di kastil Cloux, dekat Amboise dengan undangan baik dari Francis I dari Perancis. Di sini Da Vinci, menghabiskan sisa tahun-tahunnya, bebas untuk melanjutkan studinya sendiri. Dia meninggal pada 1519 meninggalkan salah satu tubuh terbesar dari karya seni dan ilmiah.

Arshile Gorky Pelukis Ekspresionis Abstrak Armenia Amerika

Arshile Gorky Pelukis Ekspresionis Abstrak Armenia Amerika

Arshile Gorky (lahir Vostanik Manoug Adoian; 1904-1948) adalah seniman Armenia-Amerika yang memiliki dampak signifikan pada perkembangan ekspresionisme abstrak. Dia terkait erat dengan temannya Willem de Kooning dan Sekolah Pelukis New York.

Kehidupan Awal dan Pindah ke Amerika

Lahir di desa Khorgom, di tepi Danau Van di Kekaisaran Ottoman (sekarang bagian dari Turki), Arshile Gorky adalah bagian dari keluarga keturunan Armenia. Ayahnya meninggalkan keluarganya pada tahun 1908 untuk beremigrasi ke AS untuk melarikan diri dari wajib militer Kekaisaran Ottoman. Pada tahun 1915, Gorky meninggalkan daerah Danau Van bersama ibu dan tiga saudara perempuannya selama Genosida Armenia. Mereka melarikan diri ke wilayah yang dikuasai Rusia. Setelah ibunya meninggal karena kelaparan pada tahun 1919, Arshile Gorky melakukan perjalanan ke AS pada tahun 1920 dan bersatu kembali dengan ayahnya, tetapi mereka tidak pernah dekat.

Pendidikan dan Pelatihan

Arshile Gorky adalah seniman yang terlatih sendiri ketika ia tiba di A. Ia mendaftar di New School of Design di Boston dan belajar di sana dari tahun 1922 hingga 1924. Di sana, ia menemukan karya oleh beberapa seniman modernis top dunia untuk pertama kalinya. Dia menemukan pelukis pasca-impresionis Paul Cezanne sangat berpengaruh. Bentang alam awal Gorky dan benda mati menunjukkan dampak ini.

Pada 1925, Gorky pindah ke New York. Di sana ia menjelajahi karya inovatif Pablo Picasso dan surealis Spanyol Joan Miro. Dia juga mengembangkan persahabatan dengan artis-artis yang sedang naik daun termasuk Stuart Davis dan Willem de Kooning. Kubisme, ekspresionisme, dan karya para Fauves yang berwarna cerah semuanya memengaruhi pekerjaan Gorky.

Di New York, artis muda itu mengubah namanya dari Armenia Vostanik Adoian menjadi Arshile Gorky. Itu dihitung untuk menghindari reputasi negatif dari pengungsi Armenia. Kadang-kadang, Arshile bahkan mengaku sebagai kerabat penulis Rusia Maxim Gorky.

Bangkit di Perawakan Publik

Arshile Gorky termasuk di antara para seniman yang termasuk dalam pertunjukan kelompok bergengsi tahun 1930 Museum of Modern Art tentang seniman-seniman baru. Tahun berikutnya pameran tunggalnya yang pertama berlangsung di Philadelphia. Dari 1935 hingga 1941, ia bekerja bersama Willem de Kooning untuk Pekerjaan Progress Administration (WPA) dari Proyek Seni Federal. Di antara karya itu ada satu set mural untuk bandara Newark, New Jersey. Sayangnya, hanya dua dari sepuluh panel yang masih ada.

Sebuah pertunjukan Museum Seni Amerika Whitney 1935 berjudul “Lukisan Abstrak di Amerika” termasuk Gorky. Pada pertengahan 1930-an, lukisan Gorky memperlihatkan pengaruh dari kubisme sintetis Picasso dan bentuk organik Joan Miro. Lukisan “Organisasi” adalah penggambaran mencolok dari tahap karya Gorky ini.

Gaya dewasa Arshile Gorky muncul pada awal 1940-an. Itu dipengaruhi oleh pelukis surealis dan seniman ekspresionis abstrak yang datang dari Eropa. Di antara para pendatang baru yang melarikan diri dari Nazi Jerman adalah Josef Albers dan Hans Hofmann.

Tahun Kemudian

Pada 1941, Arshile Gorky menikahi Agnes Magruder, yang 20 tahun lebih muda darinya. Mereka memiliki dua anak perempuan, tetapi hubungan itu akhirnya tragis. Pada tahun 1946, studio Gorky di Connecticut terbakar habis. Itu menghancurkan sebagian besar pekerjaannya. Sebulan kemudian, ia menerima diagnosis kanker.

Saat berjuang melawan kanker, Gorky mengetahui bahwa istrinya berselingkuh dengan sesama artis Roberto Matta. Pasangan itu berpisah, dan artis itu terlibat dalam kecelakaan mobil yang mempercepat kerusakan fisiknya. Pada 21 Juli 1948, Arshile Gorky bunuh diri.

Meskipun kehidupan pribadinya mengerikan, lukisan-lukisan dari tahun-tahun terakhir Gorky sangat kuat. Lukisan 1944-nya “The Liver Is the Cock’s Comb” mungkin merupakan karyanya yang paling berkembang. Ini menyatukan semua pengaruhnya ke gaya ekspresionisme abstrak jelas miliknya. Lukisan 1947 “Penderitaan” mencerminkan tragedi pribadi dalam bentuk yang mencolok dan kuat.

Warisan

Sementara ia paling sering terdaftar sebagai pelukis ekspresionis abstrak, analisis yang lebih dekat mengungkapkan bahwa Arshile Gorky mengasimilasi pengaruh dari berbagai gerakan melukis abad ke-20. Karya awalnya mengeksplorasi tema post-impresionis yang diperjuangkan oleh Paul Cezanne. Dalam langkahnya untuk menyelesaikan abstraksi, Gorky menarik ide-ide surealis dan pengaruh kubisme.

Warisan Gorky juga terlihat dalam hubungan yang ia kembangkan dengan artis lain. Penggunaan elemen pribadi Willem de Kooning dalam karyanya sering dianggap sebagai pertemanannya dengan Arshile Gorky. Gaya energik lukisan Gorky bergema di lukisan tetes Jackson Pollock tahun 1950-an.

10 Lukisan Paling Terkenal di Dunia

10 Lukisan Paling Terkenal di Dunia

“Mona Lisa”, “Perjamuan Terakhir”, “Starry Nights”, dan “Whistler’s Mother” adalah lukisan yang telah menginspirasi dan membuat orang terpesona selama beberapa generasi.

Selama berabad-abad, beberapa lukisan telah mencapai pengakuan dunia di segala usia dan banyak masyarakat karena tampilan bakat dan gaya yang unik. Sebagian besar lukisan terkenal di dunia adalah minyak di atas kanvas yang telah teruji oleh waktu dan memiliki kesan abadi pada mereka yang telah melihatnya. Karya seni ini telah dilestarikan di beberapa galeri di seluruh dunia dari tempat mereka dapat dilihat. Lukisan-lukisan terkenal selalu menghadapi ancaman kerusakan akibat pencurian dan penuaan. Museum dan galeri memiliki tugas dan tanggung jawab untuk menjaga karya-karya agung ini tetap aman dan mengembalikannya ke kondisi semula untuk memperpanjang hidup mereka dan pentingnya bagi anak cucu.

1. Mona Lisa (The Louvre, Paris)

Mungkin lukisan paling terkenal yang pernah dibuat di Dunia Barat, Mona Lisa dilukis oleh Leonardo da Vinci antara 1503 dan 1506. Dia selesai mengerjakannya pada 1519. Lukisan itu ditampilkan di museum Louvre Paris. Itu diyakini sebagai potret Lisa Gherardini, seorang wanita bangsawan Italia. Lukisan ini terkenal dengan kehalusan, komposisi, dan ekspresi wajah subjek yang tidak bisa dijelaskan.

The Mona Lisa oleh Leonardo da Vinci adalah lukisan paling terkenal di dunia. Lukisan itu ditampilkan di museum Louvre di Paris. Itu diyakini sebagai potret Lisa Gherardini, seorang wanita bangsawan Italia. Lukisan ini terkenal dengan kehalusan, komposisi, dan ekspresi wajah subjek yang tidak dapat dijelaskan.

2. Perjamuan Terakhir (Biara Santa Maria Delle Grazie, Milan)

The Last Supper adalah lukisan terkenal karya Leonardo da Vinci. Lukisan itu menggambarkan Perjamuan Terakhir Yesus dan para murid-Nya. Dikatakan untuk menggambarkan kebingungan yang terjadi setelah Yesus menyatakan bahwa salah satu dari mereka akan mengkhianatinya. Lukisan itu dibuat antara 1495 dan 1498 dan ditempatkan di Biara Santa Maria Delle Grazie di Milan.

3. The Starry Night (Museum of Modern Art, New York)

Malam Berbintang oleh Vincent van Gogh ditampilkan di Museum Seni Modern, New York. Ini adalah salah satu lukisan paling terkenal di dunia barat. Lukisan itu dibuat pada tahun 1889 dan menggambarkan kota Saint-Remy di bawah matahari yang berputar-putar. Sudah di MoMA di New York sejak 1941. Lukisan itu selesai setelah 1888 mental terkenal Van Gogh, di mana artis terkenal telah mengangkat telinganya sendiri.

4. The Scream (Galeri Nasional, Oslo)

Scream, salah satu lukisan paling terkenal di dunia sepanjang masa, dilukis oleh Edvard Munch pada tahun 1893. Lukisan itu menunjukkan orang yang ketakutan berteriak. Lukisan itu bertempat di Galeri Nasional, Oslo, Norwegia. Satu fakta menarik tentang lukisan ini adalah fakta yang kerap menjadi incaran perampok seni. Terakhir kali lukisan itu dicuri adalah pada 2004. Lukisan itu hilang selama dua tahun sebelum akhirnya pulih pada 2006.

5. Gadis Dengan Anting-Anting Mutiara (Mauritschuis, Den Haag)

Gadis Dengan Anting-Anting Mutiara adalah sebuah karya seni oleh Johannes Vermeer. Lukisan itu dilukis sekitar tahun 1665 dan menggambarkan seorang gadis turban dengan anting-anting mutiara. Lukisan itu disebut “Dutch Mona Lisa”, sebagian besar karena ekspresi ambigu subjek. Lukisan itu dipajang di Mauritschuis di Den Haag, Belanda.

6. Guernica (Museo Reina Sofia, Madrid)

Guernica adalah lukisan Picasso yang menunjukkan pemboman kota Guernica di Spanyol selama Perang Saudara Spanyol. Lukisan 1937 bertempat di Museo Reina Sofia di Madrid. Ini dianggap sebagai salah satu karya seni anti-perang paling penting dalam sejarah. Meskipun lukisan itu sekarang dijunjung tinggi, lukisan itu tidak secara otomatis mengumpulkan daya tarik kritis saat diungkapkan.

7. The Birth Of Venus (Galeri Uffizi, Florence)

Kelahiran Venus menggambarkan munculnya dewi Venus dari laut. Lukisan itu dibuat oleh Sandro Botticelli pada pertengahan 1480-an. Lukisan itu dipajang di Galeri Uffizi di Florence.

8. The Night Watch (Rijksmuseum, Amsterdam)

Night Watch dilukis oleh Rembrandt pada tahun 1642. Ini menggambarkan kepergian sebuah kota yang dipimpin oleh kaptennya. Lukisan itu ditampilkan di Rijksmuseum di Amsterdam. Pernis gelap yang unik membuat lukisan mengambil tampilan pemandangan malam.

9. The Persistence Of Memory (Museum of Modern Art, New York)

Ini adalah salah satu lukisannya yang paling terkenal yang dilukis oleh Salvador Dali pada tahun 1931. The Persistence of Memory menggambarkan wajah jam yang meleleh dan dianggap telah diilhami oleh Teori Relativitas. Lukisan itu ditampilkan di MoMA.

10. Whistler’s Mother (Musée d’Orsay, Paris)

Ibu Whistler, atau Arrangement in Grey and Black, dilukis pada tahun 1871 oleh James McNeill Whistler memperlihatkan ibunya duduk di kursi di dinding abu-abu. Lukisan itu ditampilkan di Musée d’Orsay di Paris.

10 Artis Paling Populer Saat Ini (Lukisan Abstrak Wajah ke Seni Jalanan)

10 Artis Paling Populer Saat Ini (Lukisan Abstrak Wajah ke Seni Jalanan)

Berdasarkan laporan internasional Artprice 2019 tentang artis populer di pasar seni kontemporer, kami menyusun daftar 10 seniman modern, yang terlihat melalui prisma penjualan lelang. Dari lukisan abstrak wajah, hingga seni jalanan, seniman populer ini telah mengembangkan cara unik untuk menampilkan seni modern terkenal mereka.

1. Jean-Michel Basquiat (1960-1988)

Jean-Michel Basquiat, salah satu pelukis Amerika paling terkenal dan salah satu pelukis terhebat sepanjang masa, muncul dari awal tahun 80-an adegan Punk Amerika di New York dan dengan cepat menjadi dikenal di sirkuit seni internasional untuk pekerjaan seperti lukisan abstraknya wajah. Seni “naïf” -nya dengan terampil menggabungkan gaya dan tradisi, menciptakan karya seni kolase tipe kontemporer yang sering merujuk pada warisan urban dan Afrika-Karibia-nya. Lukisan seni modern Basquiat adalah contoh bagaimana praktik seni kontra-budaya dapat menjadi bentuk seni yang sepenuhnya diakui, dianut, dan dirayakan oleh massa komersial. Lukisan-lukisan abstrak wajahnya menjual dengan harga tertinggi di pasar seni hari ini.

2. Peter Doig (lahir 1959)

Peter Doig adalah seniman Skotlandia yang menghabiskan sebagian besar tahun-tahun pembentukannya di Trinidad dan Kanada, dan belajar seni di Inggris. Seni kontemporernya dideskripsikan oleh Galeri Saatchi sebagai berisi tema realisme magis, “mengabadikan saat-saat tenang tanpa batas, di mana memori foto-album melayang keluar dan keluar dari mimpi yang terbangun.” Doig mengambil inspirasi dari foto, kliping koran, adegan dari film , sampul album rekaman, dan karya seniman sebelumnya seperti Edvard Munch. Pada tahun 2002, ia menetap di Trinidad lagi, di mana ia membuka sebuah studio di Pusat Seni Kontemporer Karibia. Pada tahun 2007, White Canoe miliknya dijual seharga $ 11,3 juta di Sotheby’s, yang pada saat itu merupakan rekor bagi seniman Eropa yang masih hidup, dan merupakan salah satu alasan dia masuk dalam daftar artis populer kami.

3. Christopher Wool (lahir 1955)

Christopher Wool pertama kali membuat nama untuk dirinya sendiri di kancah seni rupa kontemporer New York pada 1980-an. Dia terkenal karena lukisan kata-kata seni modern, kanvas putih khasnya dengan huruf stensil hitam besar. Bekerja seperti Kiamat Sekarang (“Jual rumah, jual mobil, jual anak-anak”) dan If You (“Jika kamu tidak bisa bercanda kamu bisa keluar dari rumahku”) menghasilkan antara $ 15 dan 30 juta di lelang Christie rumah.

4. Rudolf Stingel (lahir 1956)

Rudolf Stingel adalah seniman Italia yang tinggal di New York. Sejak tahun 80-an, seni kontemporer Stingel prihatin dengan menginterogasi media lukisan pilihannya dan menumbangkan gagasan tentang keaslian, hierarki, makna, dan konteks. Dia tertarik untuk melibatkan penonton dalam dialog tentang persepsi mereka tentang seni kontemporer dan termasuk mereka dalam proses tersebut. Setelah pertunjukannya tahun 2007 di Museum Whitney di New York, harga Stingel naik tinggi.

5. Mark Grotjahn (lahir 1968)

Mark Grotjahn adalah seorang seniman Amerika yang terkenal karena lukisan abstrak wajahnya dan penggambaran geometris. Gaya lukisan kontemporernya dikatakan untuk melakukan dialog yang kompleks dengan karya-karya Kazimir Malevich, Barnett Newman, dan Bridget Riley. Grotjahn sering mengeksplorasi sudut pandang yang hilang, dan bekerja dengan warna-warna cerah. Permintaan pekerjaan Grotjahn telah meningkat dengan mantap dalam beberapa tahun terakhir.

6. Richard Prince (lahir 1949)

Richard Prince adalah salah satu seniman modern yang terkenal karena apropriasi. Prince menggunakan kembali gambar media massa untuk mempertanyakan dan mendefinisikan kembali gagasan tentang kepengarangan dan kepemilikan. Dalam seri “Cowboys” 1980-an, ia memotret ulang iklan Marlboro untuk membuat gambar close-up dari para koboi mistis ini. Pada tahun 2005, Untitled-nya (Cowboy) menjadi foto ulang pertama yang dijual lebih dari $ 1 juta di lelang. Baru-baru ini, ia menjadi sibuk dengan Instagram, mencuri posting Instagram dari beberapa wanita muda dan menjualnya dalam jumlah besar. Kontroversi dan tuntutan hukum yang terjadi adalah, dalam arti tertentu, bagian dari karya seni Prince.

7. Yoshitomo Nara (lahir 1959)

Yoshitomo Nara adalah salah satu tokoh sentral dari gerakan neo-Pop Jepang, menciptakan lukisan, gambar, dan patung karakter seperti anak kecil. Karakter-karakter ini sangat terinspirasi oleh budaya populer seperti anime, manga, Disney, dan punk rock. Pengaruh ini menghasilkan gambar yang imut, namun juga meresahkan dan menyeramkan. Seni rupa kontemporernya berkenaan dengan menemukan jati diri dalam dunia kekerasan dan modern yang memodernisasi hari ini dengan input visual yang konstan.

8. Keith Haring (1958-1990)

Seni pop dan karya grafiti Keith Haring muncul dari budaya jalanan New York City tahun 80-an. Dia menemukan dirinya di komunitas seni alternatif yang berkembang di luar galeri dan museum. Seni kontemporernya menjadi hidup di jalanan, di kereta bawah tanah, dan di klub. Haring ingin mengabdikan karirnya untuk menciptakan seni publik yang benar-benar. Di stasiun kereta bawah tanah, pada panel iklan yang tidak digunakan, ia menemukan medianya untuk bereksperimen dan berkomunikasi dengan audiens yang lebih luas. Karya Haring tetap sangat populer hingga hari ini, terjual hingga sekitar $ 6 juta di lelang.

9. Zeng Fanzhi (lahir 1964)

Zeng Fanzhi tumbuh di Tiongkok selama Revolusi Kebudayaan, sebuah pengalaman yang menandai dia sebagai seorang seniman. Karyanya menunjukkan keprihatinannya dengan sejarah bermasalah modernitas dan isolasi dan ketidakstabilan kehidupan kontemporer. Dia mendapatkan pengakuan di tahun 90-an untuk seri lukisan kontemporer Hospital and Meat. Karya-karyanya dapat dikenali dari gaya ekspresionisitasnya yang khas, figur-figur dengan kepala besar dan fitur yang berlebihan, dan kadang-kadang lukisan abstrak wajah. Pada 2013, The Last Supper karya Fanzhi terjual dengan harga $ 23,3 juta di Sotheby Hong Kong, menjadikannya harga tertinggi untuk karya seniman Asia modern di lelang.

10. Damien Hirst (lahir 1965)

Damien Hirst adalah anggota paling menonjol dari sekelompok seniman modern, Seniman Muda Inggris, yang mendominasi panggung seni kontemporer Inggris di tahun 90-an. Hirst adalah artis hidup terkaya di Inggris, dan juga memecahkan rekor untuk lelang satu artis pada 2008 ketika ia menjual pertunjukan lengkap, Beautiful Inside My Head Forever, dengan harga $ 198 juta. Dia paling terkenal karena serangkaian seni modern terkenal yang menggambarkan hewan mati yang diawetkan dalam formaldehyde, dan untuk tengkorak berliannya, For the Love of God.